Хаим Сутин, наряду с Шагалом, Пикассо и Модильяни, относится к крупнейшим мастерам так называемой «Парижской школы». Под этим термином в истории искусств понимается разнородная группа иностранных художников, которые придерживались разных стилей и которых фактически объединяло только то, что они жили в Париже примерно в одно время. Несмотря на то, что Сутин считается одной из центральных фигур модернизма, он по-прежнему не слишком известен широкой публике, его работы хранятся лишь в немногих публичных коллекциях (Кунстмузеум в этом плане представляет счастливое исключение), а его ретроспективы проводятся редко. Выставка в Берне – настоящий подарок как для ценителей творчества Хаима Сутина, так и для тех, кто впервые откроет для себя его экспрессивную живопись.
Художник практически не оставил после себя письменных свидетельств и не вел дневников, поэтому специалистам порой непросто отделить факты от вымысла в биографических сведениях о Сутине. О его жизни мы уже подробно рассказывали в материале, посвященном изумительной книге Ральфа Дутли «Последнее странствие Сутина». Напомним только, что он родился в ортодоксальной еврейской семье в белорусских Смиловичах, а в 1913 году, в возрасте 20 лет, отправился в Париж, который стал для него вторым домом. Здесь расцвел его талант, а он сам нашел одного из немногих своих близких друзей – Амадео Модильяни, считавшего его гением. Здесь же он и скончался, 9 августа 1943 года, не дожив года до освобождения Парижа.
В искусстве Сутин искал собственный путь, оставаясь застенчивым аутсайдером и буквально плывя против течения. В то время как многие его современники сосредоточились на абстракции, Сутин продолжал писать фигуративно, всегда отталкиваясь от реального объекта.
На выставке в Берне представлены картины, относящиеся к любимым жанрам Сутина – пейзажу, натюрморту и портрету. Поскольку Сутин уничтожил многие из своих первых произведений, из периода 1913-1917 годов осталось лишь несколько работ. Среди самых ранних сохранившихся и включеннных в экспозицию полотен привлекает внимание натюрморт со скромной трапезой – стаканом и сельдью, в которую вот-вот вонзится вилка с зубьями-«пальцами». И зубья этой вилки, и кроваво-красный цвет гладиолусов на другом натюрморте уже несут в себе эмоцию, которая станет во многом определяющей для творчества Сутина, – тревогу.
Эта тревога усиливается в следующем зале, «мясницкой», где вывешены знаменитые туши Сутина – мертвые животные, отправленные на убой. Еще не разделанные, но уже разрезанные, подвешенные вверх ногами, практически распятые курицы, кролики, быки отсылают к натюрмортам Жана Симеона Шардена и работам Рембрандта. Это – не уютный классический голландский натюрморт. Это – красота некрасивого, ужасного и пугающего, символ мученичества.
Особое место в творчества Сутина занимает портрет. Исторически на портретах изображались представители высших слоев общества, но Сутин выбирал в качестве моделей людей со скромным достатком, например, посыльных, горничных, поваров и юных алтарников. Прорывом для Сутина стала картина «Кондитер» (ок. 1919 г.), которую американский коллекционер Альберт К. Барнс увидел зимой 1922-23 годов и купил вместе с полусотней других работ. Художник, до этого момента остававшийся практически неизвестным, в одночасье стал знаменитым, а его финансовое положение заметно улучшилось. На выставке можно увидеть сразу три картины из серии портретов кондитеров (из музейных коллекций Берна, Парижа и Вашингтона).
В своих портретах Сутин часто использовал одни и те же композиционные приемы. Модели занимают почти все пространство полотна и помещены в центр картины. Они стоят или сидят на стуле, положив руки на колени, фон размыт. Пропорции тела несбалансированы: уши и руки чрезмерно большие, конечности вытянуты. Лица асимметричны. Словно отраженные в кривом зеркале, модели имеют скошенные носы, смещенные рты, деформированные физиономии. Присмотритесь к ним повнимательнее. Дети и подростки на картинах Сутина имеют старческие лица, а старики – выражение лица младенцев. Вообще практически у всех моделях на портретах Сутина начала и середины 1920-х встречается один и тот же взгляд – робкий взгляд человека, осознающего свою незащищенность и уязвимость.
Выставка завершается поздними работами художника – портретами конца 1920-х и 1930-х годов. Можно заметить, что линии на картинах стали более сдержанными, а на лицах теперь преобладает выражение покоя и даже некоторой мечтательности. Зайдя в этот зал, любой белорус сразу скажет, какого портрета здесь не хватает. Конечно, «Евы», написанной в 1928 году, находящейся в корпоративной коллекции «Белгазпромбанка» с 2013-го и превратившейся в один из главных символов мирных протестов 2020 года. Для белорусов «Ева» стала примером солидарности и того, какой огромной объединяющей силой обладает искусство.
От редакции: Выставка продлится до 1 декабря. Практическую информацию можно найти на сайте kunstmuseumbern.ch
